Le 17 février, iconoclaste, à la demande du SMIQ et de Rideau, dans le cadre des rendez-vous satellites de la bourse Rideau donnait une conférence sur le marketing numérique de la musique.
Cliquez sur le titre de l’article pour visionner les présentations.

Pour télécharger nos présentations, suivez les liens ci-dessous :

Conférence (topo des enjeux récents)

Atelier Web promo

Le 5 février, iconoclaste intervenait, à la demande du projet Outiller la relève artistique Montréalaise et du site Artère, sur le sujet des différentes stratégies gagnantes à adopter pour se promouvoir sur le Web. Retrouvez notre présentation en suivant le lien qui suit :
http://docs.google.com/present/edit?id=0Aa2tseQ7h0l3ZGZ4czQ1bTVfMGRjY3N2a2dx&hl=en

L’Adami et l’IRMA ont publié, le 4 décembre dernier, un nouvel ouvrage qui aura une incidence déterminante dans la réflexion qui anime l’industrie de la musique et les pouvoirs publics sur les enjeux de la culture numérique. Les musiciens dans la révolution numérique – Inquiétude et enthousiasme, constitue le rapport d’une enquête menée à l’automne 2008 auprès des artistes musiciens interprètes (AMI) membres de l’ADAMI. Le questionnaire, comportant près d’une centaine de questions, a été transmis à 4000 musiciens et retourné par 700 d’entre eux! L’enquête de Maya Bacache, Marc Bourreau, Michel Gensollen et François Moreau, aborde l’ensemble des transformations qui ont un impact sur le travail de création et la diffusion de la musique. On y analyse les perceptions, les craintes autant que les promesses que font naître les nouvelles technologies chez les musiciens, on y questionne l’émergence de nouveaux rapports entre le public et les artistes. L’ouvrage présente 79 tableaux statistiques et annexe le questionnaire source. Un must à commander en ligne auprès de l’IRMA http://icono.me/statsadami

Quelques statistiques (1)

1. 96 % de la Genération Y ont rejoint des communautés virtuelles.
2. Les communautés virtuelles ont supplanté la pornographie en tant qu’occupation #1 sur internet.
3. 1 diplomé post secondaire sur  6 a été embauché grâce à un C.V. en ligne.
4. 80% des entreprises ont utilisé LinkedIn comme outil #1 pour engager.
5. La tranche de la population ayant la croissance la plus rapide sur Facebook est celle des femmes de 55-65.
6. Le deuxième engin de recherche le plus consulté au monde est YouTube.
7. Wikipedia compte plus de 13 million d’articles… certaines études démontrent que leur contenu est souvent plus précis  que celui d’articles équivalents de l’ Encyclopedia Britannica…78% de ces articles sont d’une autre langue que l’anglais.
8. 25% des Américains ont affirmé avoir regardé un vidéo à partir de leur cellulaire dans les derniers mois.
9. Plus de  1.5 million de contenus (liens web, articles de nouvelles, articles de blogues, videos, photos, etc.) sont partagés sur Facebook…. chaque jour !
10. 78% des consommateurs disent faire confiance aux recommandations faites par le public.
11. 14% des consommateurs disent faire confiance à la publicité.

Pourcentage de la population ayant un profil sur au moins une communauté virtuelle (2)

1. Canada : 46%
2. États-Unis : 44,2%
3. Angleterre : 48,2%
4. Inde : 63,9 %
5. Brésil 59,6 %
6. France 29,3 %

Rang canadien pour quelques plateformes (3)

• Facebook (2e)
• Youtube (4e)
• Wikipédia (8e)
• Blogger (10e)
• Twitter (11e)
• Wordpress (19e)

Sources :

(1) Socialnomics
(2) Global Web Index
(3) Alexa

La nouvelle plateforme vidéo Vevo a été lancée hier soir en grande pompe à New-York. Initiative de Google,  cette plateforme se spécialise dans la diffusion de vidéoclips et souhaite contrer la diffusion illégale de vidéos. En effet, Google a misé ici sur un partenariat avec Universal Music Group, Sony Music Entertainment, EMI Music, Hollywood Records, Walt Disney Records ainsi que quelques rares labels et agrégateurs indépendants pour obtenir le droit de diffuser ces contenus en toute légalité.  A été annoncé un partenariat avec Last Fm et l’espoir que Vevo deviendra le site musical le plus consulté… Les revenus publicitaires seront redistribués entre les partenaires.  Parce que oui, lorsque vous regardez un clip sur Vevo, vous devez vous taper une pub de 10 secondes avant de voir le dit vidéo (ce qui, soit dit en passant, gâche pas mal le plaisir de pouvoir se faire des playlists…)

Cela, à mon avis, soulève bien des questions…

Ces revenus publicitaires que Universal, Sony et tutti quanti recevront, seront-ils par la suite redistribués aux ayants droits ? Si oui, comment ?

Last Fm est, je souligne, le seul service de web radio interactive de grosse envergure qui permet aux artistes et aux labels de gérer eux-même le contenu des pages artistes (upload de chansons notamment).  Résultat : on peut écouter sur Last Fm une quantité de chansons d’artistes émergeants québécois qui ne se retrouvent pas sur Deezer, Spotify, Imeem et consort faute de distribution web adéquate.  Vevo ne permet pas cette liberté aux artistes…

Qu’en sera-t-il de cette particularité de Last Fm ? Sera-t-elle menacée par ce partenariat ? Ou, au contraire, cela amènera-t-il une plus grande visibilité à Last Fm sans en changer le fonctionnement ?

Pour conclure cette petite réflexion lancée à vif… Je crains que nous ne retrouvions pas d’ici tôt de contenu émergeant québécois et francophone de qualité sur ce site étant donnée la nécessité de passer par un partenaire de Vevo pour y être diffusé, et si les labels québécois tardent autant avec Vevo, qu’ils tardent pour s’assurer une présence sur Emusic…ça devrait être bien long.

D’ici là, il nous reste Écoutez.ca ou la possibilité de visionner des clips de Garou et de Céline Dion sur Vevo !!!

Pour en savoir plus :

Vevo.com

Article de Philippe Renaud sur Cyberpresse

Ne manquez pas le bateau !!

Le 30 novembre est la date limite pour déposer votre demande d’aide au volet numérique de la SODEC !!!

En savoir plus et télécharger la documentation nécessaire …

Important : vous devez déjà recevoir de l’aide au programme régulier pour être admissibles.

Chaque mercredi, les acteurs de l’industrie du disque abonnés au service SoundScan reçoivent un rapport des ventes physiques et numériques.  Malgré le fait que l’industrie a connu de majeures transformations ces dernières années et continue de changer, plusieurs personnes attendent encore avec impatience ces dits rapports hebdomadaires comme s’ils représentaient encore un portrait fidèle du succès financier des artistes visés.  Mais est-ce vraiment le cas ?

 Bien sûr, à l’époque de l’âge d’or de l’industrie où les copies physiques se vendaient encore substantiellement, il était pertinent de se fier aux rapports SoundScan pour juger du rendement financiers des artistes.  Mais cette époque est maintenant révolue et on pourrait même la qualifier d’âge de pierre.  

En effet, tout le monde sait aujourd’hui que les ventes de copies physiques sont en chute libre depuis déjà plusieurs années. Et, quoique SoundScan comptabilise aujourd’hui les ventes de copies numériques, on sait que ces dernières n’arrivent pas à combler la perte de revenus des ventes physiques d’antan.  De plus, les statistiques de Soundscan ne sont pas exhaustives sur le plan de la copie numérique comme le mentionne mon compère Jean-Robert Bisaillon dans son billet du 11 novembre dernier . 

Donc, où est l’utilité de juger le rendement financier d’un artiste uniquement sur la base de la vente de la copie, soit physique ou numérique, alors que l’industrie se dirige vers une économie basée sur le « Attention Revenue » et l’accès à la copie et non la vente de la copie elle-même  – voir mon billet du 26 octobre dernier ?   Même à l’heure actuelle, le « Future of Music Coalition » a répertorié 29 sources de revenus potentiels pour les artistes alors que  certains labels comme « Arts and Crafts » jugent déjà depuis longtemps le rendement financier de ses artistes selon le modèle 360. 

Alors pourquoi s’accrocher aux rapports SoundScan?  Peut-être est-ce seulement une vieille habitude/mentalité qui pour certains tarde à changer.  Ces rapports sont encore pertinents jusqu’à un certain point car l’industrie enregistre encore des ventes de copies physiques et numériques.  Mais, pour combien de temps encore?  SoundScan saura-t-il lui-même s’adapter aux nouvelles et futures réalités de l’industrie?  Les acteurs de cette dernière, y compris les bailleurs de fonds publics, changeront-ils de mentalité pour évaluer le rendement des artistes?  Certains le font déjà et, selon moi, seuls ces derniers arriveront à se tailler une place dans la nouvelle économie. 

Certains se demandent si cette nouvelle économie sera viable: si oui, ce sera certainement pas selon les paramètres de l’époque de l’âge d’or de la musique. Mais cette question, c’est un autre sujet.  A suivre!

Il manque toujours des labels et artistes québécois importants sur eMusic… Pourtant on dit qu’aux USA, eMusic constitue la seconde source de revenus numériques après iTunes… Ce détaillant numérique se consacre exclusivement aux labels indépendants et offre des téléchargements MP3 sous formule d’abonnement mensuel. Il en coûte entre $3 et $7 pour y télécharger un album complet et le site reverse des droits d’auteurs et des redevances. Il existe un portail canadien eMusic, mais son ergonomie et sa navigation met très mal en valeur les artistes d’ici. Par contre, on s’en doute, des artistes comme Arcade Fire y ont réalisé des ventes extrêmement significatives via leur label américain Merge. Il est enfin à noter que la firme de sondage Nielsen/Soundscan ne comptabilise pas les ventes numériques canadiennes sur eMusic et que celles-ci sont conséquemment absentes du bulletin Statistiques en bref de l’Observatoire de la Culture et des Communication du Québec (numéro 52) paru en ce début de novembre. iconoclaste qui est très fan de eMusic, a réalisé au vol, une enquête rapide de la présence des labels québécois sur eMusic.

Ils y sont, bravo!
Alien 8 (Set Fire to Flames), Analekta (Alain Lefebvre), Atma Classique (Marc Hervieux), Bonsound (Radio Radio), C4 (For Those About to Love, Fred Fortin), Constellation (Do May Say Think, Godspeed You! Black Emperor), Dare To Care Records (Malajube), Effendi (Simon Legault), Grosse Boîte (Cœur de Pirate), GSI Musique / La Confiserie (Navet Confit, Émilie Proulx), Indica Records (Les Trois Accords, Caracol), L-A be (Psychocaravane), Maisonnette (Alexandre Désilets), Saboteur (numero#), Sale Cabot! (The Blue Seeds), Secret City Records (Patrick Watson), Tacca Musique (Dumas, Chinatown)

Déception, ils n’y sont pas…
Artic (Maryse Letarte), Audiogram (Pierre Lapointe, Ariane Moffatt, Daniel Bélanger), Avalanche (Beast)(un peu via MapleMusic Recordings et Pheromone), La Tribu (Les Cowboys Fringants), Passeport (Kaïn), Spectra (Michel Rivard), Sphere (Antoine Gratton, Les Respectables), Tandem (Pascal Picard), Victoire (Mes Aïeux) Partager]]> http://icono.me/2009/11/11/emusicquebec-et-l%e2%80%99offre-numerique-du-quebec/feed/ 1 http://icono.me/2009/11/02/comment-creer-et-gerer-une-liste-d%e2%80%99envois-sur-facebook/ http://icono.me/2009/11/02/comment-creer-et-gerer-une-liste-d%e2%80%99envois-sur-facebook/#comments Tue, 03 Nov 2009 02:43:57 +0000 Francois Dufault http://icono.me/?p=225

Les pages « fan » dédiées aux artistes sur Facebook représentent un excellent moyen de promotion grâce à la visibilité qu’elles offrent et la possibilité d’interagir avec les fans. Elles permettent, entre autre, de publier de l’information pertinente à la promotion d’un artiste et aussi d’échanger avec ses fans à l’aide des diverses fonctionnalités disponibles (publication de nouvelles sur le mur, envoi de mise à jour, lien avec Twitter, etc.) et des applications spécialisées conçues pour les musiciens qui peuvent y être intégrées (Music, My Band, MyStore, etc.).

 Par contre, selon moi, ces pages ont deux grandes lacunes :

 1- Elles ne permettent pas l’envoi direct de messages dans la boite de réception Facebook des fans. 

 2- Bien qu’un artiste puisse créer un événement à partir de sa page « fan », il lui est impossible d’en être « l’ hôte » et ainsi d’y inviter tout ses fans d’un seul clic de souris.  Il ne peut qu’inviter les « amis » de son profil personnel et ce manuellement, un à la fois.  Il en va de même pour tous les administrateurs de ladite page « fan ».

 Pour éviter cette situation qui peut représenter un obstacle de taille pour les artistes qui ont beaucoup de fans et d’amis, je suggère de créer (en plus d’une page musicien) un « groupe » Facebook et de le traiter comme une liste d’envois traditionnelle.  Deux raisons pour faire cela :

 1-  Ces pages « groupe » vous permettent, d’un seul clic de souris, d’envoyer des messages à tout vos fans qui se seront inscrits à ce

« groupe » et ce directement dans leur boite de réception Facebook. 

 2- Elles vous permettent aussi de créer un « événement »/concert et d’en être « l’ hôte ».  Vous pourrez ainsi, d’un seul clic de souris,  inviter tout vos « amis » et « fans » qui auront joint votre « groupe ».

 Bien entendu ce ne sont pas tous vos « amis » et « fans » qui  joindront votre « groupe ».  Donc n’oubliez pas de publiez votre « événement »/concert sur votre page « fan » et d’envoyer une mise à jour à tous vos fans inscrits sur cette dernière pour maximiser votre visibilité.  Malheureusement, vous devrez aussi inviter manuellement tous vos « amis »de votre profil personnel qui n’auront pas joint votre « groupe » à votre « événement »/concert.  Mais, vous en aurez moins à inviter de cette façon car Facebook vous indiquera ceux qui auront déjà été invités par le biais de votre « groupe ».

 Finalement, afin de limiter la confusion auprès de vos fans entre votre page « fan » et votre « groupe », assurez-vous de donner à ce dernier un nom adéquat, e.g. « Nom de l’artiste – Liste d’envoi Facebook », et d’y écrire un texte descriptif expliquant l’utilisation que vous allez faire de ce groupe, soit celle d’une liste d’envois pour vos nouvelles et invitations de concert (voir exemple suivant :  http://www.facebook.com/group.php?gid=5142179913&ref=ts).

 Peut-être qu’un jour Facebook décidera de permettre l’envoi direct de messages aux boites de réception de tout vos fans à partir de votre page « fan » et aussi d’être « l’ hôte » des « événements »/concerts créés sur cette dernière.  Mais, pour l’instant, la solution que je viens de décrire me semble la seule possibilité d’éviter de se ruiner l’index sur la souris !

Selon moi, l’artiste a toujours le choix : être amateur ou professionnel. Je ne fais pas référence à la qualité de la proposition de l’artiste en faisant cette distinction. Je fais plutôt référence aux objectifs que l’artiste se donne.

L’amateur crée ou interprète sans intention de monétiser son art. Il décide de rester à l’écart de l’industrie et de ne pas s’inscrire dans une dynamique commerciale ; l’artiste amateur ne dépend pas de son art pour survivre et ne considère donc pas celui-ci comme un gagne-pain. De plus, contrairement à l’artiste professionnel, qui ne fonctionne pas de manière totalement indépendante, il n’a pas d’équipe autour de lui (label, manager, tourneur, éditeur, etc.) qui dépendent aussi de la mise en marché de la création et des performances de leurs artistes pour survivre (mis à part les subventions bien entendu.)

De l’autre côté, l’artiste professionnel veut faire de son art sa profession, son gagne-pain. En choisissant d’être professionnel, l’artiste décide donc de se joindre à une industrie, comme celle de la musique par exemple, et de s’inscrire ainsi dans une dynamique commerciale, i.e. d’échange de biens et de services entre individus/organisations contre rémunération.

Dans une économie de plus en plus basée sur le « Attention Revenue » (voir article de Gerd Leonhard) le « branding » de l’artiste musicien, par exemple, est de plus en plus essentiel s’il veut attirer et conserver l’attention des fans et autres acteurs de l’industrie afin de la transformer en revenus, que se soit par le biais de ventes de copies physiques ou numériques, d’accès au contenu de la copie (supplantera probablement très bientôt la copie physique et numérique, (voir article de Gerd Leonhard ci-haut) et toute autre source de revenus comme les concerts, produits dérives, synchro, etc.

Mais pourquoi certains artistes voient-ils le « branding » comme un ennemi, comme le diable qui veut voler l’âme de leur art ? Pourtant, la force fondamentale du « branding » demeure en la qualité de l’offre qu’elle représente. Ainsi, offrir de bonnes chansons ou de bons concerts de façon constante contribuera de manière vitale au façonnement et au rayonnement de son « brand ». Et faire la promotion d’une marque, c’est en quelque sorte faire la promesse que le niveau de qualité du bien/service offert auquel les gens se sont habitués est et sera toujours au rendez-vous. C’est un peu une façon de fidéliser les gens à son offre grâce au gage de qualité associé à sa marque. N’est-ce pas là l’un des buts principaux de tout musicien professionnel? Le label Merge Records et l’artiste Radiohead en sont de très bons exemples pour leurs fans. De plus, il est à parier que ces derniers n’hésiteront pas à faire la promotion de ces « brands » qu’ils affectionnent tant. Un vieil adage marketing dit qu’un consommateur satisfait partage son expérience avec 7 autres personnes. Imaginez maintenant ce que cet adage peut devenir avec le marketing viral sur le web et via la téléphonie !

En conclusion, si l’artiste a peur que le fruit de son art soit traité comme un « bien/service » et ensuite soumis à de multiples mécanismes marketing comme le « branding » en décidant de le mettre à disposition contre rémunération, alors pourquoi joindre les rangs de l’industrie de la musique qui, par définition, est basée sur une telle dynamique commerciale? Si tel est le cas, il n’a qu’à s’inscrire hors de cette dynamique, ne pas espérer ni dépendre de potentiels revenus découlant de son art et de sa mise à disposition pour assurer sa survie en tant que professionnel. A lui d’avoir une réflexion sur quel terrain il veut s’inscrire : amateur ou professionnel. L’un ne vaut pas plus que l’autre ; c’est un choix personnel. Par contre, si l’artiste choisit la voie professionnelle, selon moi, il se doit d’accepter les notions de marketing comme le « branding » et ne doit pas voir cette dernière comme une dénaturation de son art mais, plutôt comme une représentation de son art.